{"id":8664,"date":"2026-01-17T15:28:03","date_gmt":"2026-01-17T15:28:03","guid":{"rendered":"https:\/\/www.literaturadefronteras.cl\/ldf\/?p=8664"},"modified":"2026-01-17T15:28:05","modified_gmt":"2026-01-17T15:28:05","slug":"cuerpos-de-hormigon-deshumanizacion-y-la-arquitectura-del-trauma-en-el-brutalista","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/www.literaturadefronteras.cl\/ldf\/cuerpos-de-hormigon-deshumanizacion-y-la-arquitectura-del-trauma-en-el-brutalista\/","title":{"rendered":"Cuerpos de Hormig\u00f3n: Deshumanizaci\u00f3n y la Arquitectura del Trauma en “El Brutalista”"},"content":{"rendered":"\n

La pel\u00edcula \u201cEl Brutalista\u201d estrenada el a\u00f1o 2024 y dirigida por Brady Corbet, ha dejado entrever una gama de puntos de vista. Por un lado, hay quienes la ven como una historia sobre un artista que lucha por mantener su visi\u00f3n pura frente a un mundo que no lo entiende. Por otro lado, cr\u00edticos de arquitectura como Oliver Wainwright y Owen Hatherley sugieren que la pel\u00edcula comete errores hist\u00f3ricos y t\u00e9cnicos, calificando su est\u00e9tica no como un brutalismo real, sino como una interpretaci\u00f3n “saneada” y propia de libros de dise\u00f1o contempor\u00e1neo. Asimismo, voces como la de Kieran O\u2019Brien critican la falta de catarsis narrativa y cuestionan las implicaciones pol\u00edticas de la cinta respecto al sionismo. Sin embargo, estas cr\u00edticas t\u00e9cnicas y pol\u00edticas se desmantelan al entender que la obra no es un documental ni un manifiesto hist\u00f3rico, sino una \u00e9pica sobre la lucha creativa y la alienaci\u00f3n del migrante. La arquitectura aqu\u00ed no es un fin en s\u00ed mismo, sino el veh\u00edculo para hablarnos de algo m\u00e1s profundo: la historia personal de un hombre proyectada en el mundo f\u00edsico.<\/p>\n\n\n\n

La pel\u00edcula se desarrolla a trav\u00e9s de lo que puede entenderse como una corpograf\u00eda del trauma. Seg\u00fan plantea Carlos Trosman (2021), el cuerpo humano no es solo un organismo biol\u00f3gico, sino un mapa o cartograf\u00eda que registra y analiza la realidad social y pol\u00edtica. En esta ‘geograf\u00eda corporal’, las experiencias colectivas y los dolores personales quedan grabados como cicatrices y memorias que van m\u00e1s all\u00e1 de lo f\u00edsico. Es a partir de este registro que el protagonista utiliza la arquitectura como una herramienta para externalizar su sufrimiento, logrando transformar las heridas de su propio cuerpo en una estructura s\u00f3lida, concreta y habitable.<\/p>\n\n\n\n

La trama sigue a L\u00e1szl\u00f3 (interpretado por Adrien Brody), un arquitecto jud\u00edo de origen h\u00fangaro que, tras sobrevivir a los campos de concentraci\u00f3n, llega a los Estados Unidos en 1947. En su b\u00fasqueda por una forma que pueda contener su verdad, se inclina por un lenguaje arquitect\u00f3nico que privilegia la honestidad de los materiales y la exposici\u00f3n de las estructuras sin adornos: el Brutalismo<\/strong>. Este estilo, caracterizado por el uso del hormig\u00f3n crudo (b\u00e9ton brut<\/em>) y las formas masivas, se presenta aqu\u00ed como el \u00fanico capaz de dar peso y verdad a la existencia de un sobreviviente en un mundo que intenta olvidar. Como explican Berm\u00fadez y Navarrete (2019), esta elecci\u00f3n busca una “espiritualidad encarnada”, donde los materiales crudos nos obligan a recordar y sentir nuestras vivencias m\u00e1s profundas.<\/p>\n\n\n\n

La pel\u00edcula comienza desmantelando el mito del Sue\u00f1o Americano. Cuando L\u00e1szl\u00f3 arriba a Nueva York, la c\u00e1mara ofrece una visi\u00f3n inquietante: la Estatua de la Libertad aparece visualmente invertida o inestable en la percepci\u00f3n del reci\u00e9n llegado. Esta imagen advierte que no se est\u00e1 entrando al para\u00edso, sino a una nueva estructura de exclusi\u00f3n sist\u00e9mica y marginalidad. En este entorno, el poder no busca necesariamente la muerte f\u00edsica del protagonista, sino su sometimiento a una vida de invisibilidad y aprovechamiento econ\u00f3mico. Esta din\u00e1mica se manifiesta con mayor crueldad en la figura de su primo Atila, quien ahora se hace llamar Arthur Miller. Arthur ha aceptado las reglas de la asimilaci\u00f3n forzada: ha borrado su identidad religiosa y nominal para sobrevivir econ\u00f3micamente. Su relaci\u00f3n con L\u00e1szl\u00f3 es puramente transaccional; le ofrece un alojamiento precario y oscuro, un s\u00f3tano que materializa su estatus inferior, y lo utiliza como mano de obra barata. El quiebre definitivo ocurre cuando la presencia de L\u00e1szl\u00f3 amenaza la estabilidad social de Arthur, momento en el que es descartado con la frase lapidaria: “No puedo ayudarte m\u00e1s”. Arthur representa la sumisi\u00f3n total: la anulaci\u00f3n de su identidad para integrarse plenamente al sistema estadounidense. Lo hace a trav\u00e9s de una fachada de asimilaci\u00f3n que, bajo su propia l\u00f3gica, funciona como el \u00fanico mecanismo capaz de garantizarle supervivencia social y econ\u00f3mica.<\/p>\n\n\n\n

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Escena de L\u00e1szl\u00f3 en el alojamiento precario y oscuro, reflejando su marginalidad y desamparo inicial<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n

Sin embargo, la narrativa no se detiene en la experiencia masculina singular, sino que conecta las vivencias de otros personajes bajo una idea central de opresi\u00f3n compartida. Esto se observa dolorosamente en Zs\u00f3fia, la sobrina de L\u00e1szl\u00f3, quien encarna la vulnerabilidad extrema. Es mujer, migrante y carga con un trauma de guerra que le ha robado la voz. La pel\u00edcula la encuadra frecuentemente en espacios cerrados, present\u00e1ndola como un objeto de deseo o l\u00e1stima, nunca como un sujeto con agencia. Su silencio se vuelve ensordecedor ante la amenaza latente de la violencia sexual y la mirada depredadora de la \u00e9lite masculina, representada por el hijo de Harrison Van Buren, quien la observa no como a una igual, sino como a un cuerpo disponible. Del mismo modo, se introduce a Gordon, un hombre negro en una zona rural empobrecida. A trav\u00e9s de \u00e9l, la pel\u00edcula explora los vicios y la autodestrucci\u00f3n no como fallas morales, sino como mecanismos de escape ante un dolor estructural; su consumo de sustancias es el s\u00edntoma de una vida en los m\u00e1rgenes de la “tierra de la libertad”, record\u00e1ndonos que para ciertos cuerpos, la segunda oportunidad es un mito inalcanzable.<\/p>\n\n\n\n

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Escena de Zs\u00f3fia bajo la mirada escrutadora y dominante del hijo de Harrison, evidenciando la din\u00e1mica de poder de g\u00e9nero y clase. <\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n

Este sistema de exclusi\u00f3n alcanza su punto cr\u00edtico cuando L\u00e1szl\u00f3 conoce a Harrison Van Buren, un millonario industrial que decide financiar su obra maestra. Bajo una m\u00e1scara de cordialidad, Harrison ejerce una reificaci\u00f3n absoluta sobre el arquitecto, transform\u00e1ndolo en una herramienta al servicio de su ego. Para el magnate, L\u00e1szl\u00f3 es un “genio ex\u00f3tico” que se puede comprar. Esto queda patente en la humillaci\u00f3n p\u00fablica en la obra de construcci\u00f3n, cuando Harrison, furioso, le grita: “\u00a1No ruegue! \u00a1Es indecoroso!”. All\u00ed cae la m\u00e1scara de la civilizaci\u00f3n: el arquitecto es solo un ornamento de lujo sometido al capricho financiero. Es ante este panorama que la enfermedad de Erzs\u00e9bet, la esposa de L\u00e1szl\u00f3, cobra un significado simb\u00f3lico devastador. Su deterioro f\u00edsico, que culmina en una osteoporosis severa y su eventual muerte, no es solo biol\u00f3gico; es la somatizaci\u00f3n del rechazo. En su lecho de muerte, ella sentencia con lucidez brutal: “Todo este pa\u00eds est\u00e1 podrido”. Su cuerpo se quiebra porque el entorno, bajo su fachada de prosperidad, es hostil a la vida verdadera.<\/p>\n\n\n\n

Frente a esta podredumbre, L\u00e1szl\u00f3 decide resistir. Aqu\u00ed es donde el proyecto cobra un sentido fenomenol\u00f3gico<\/strong>, un enfoque que prioriza la experiencia sensorial y la percepci\u00f3n directa de la materia sobre las ideas abstractas. Al rechazar el m\u00e1rmol superficial y defender el hormig\u00f3n, L\u00e1szl\u00f3 busca una verdad que se pueda tocar y sentir. Al dise\u00f1ar el centro comunitario, realiza el acto definitivo de proyectar su corpograf\u00eda personal en la estructura: el edificio es la canalizaci\u00f3n tect\u00f3nica de su memoria. El resultado es una obra que replica las dimensiones exactas de las celdas de los campos de concentraci\u00f3n. En una escena clave, vemos sus manos tejiendo alambre de p\u00faas en la maqueta, fusionando el horror del pasado con la construcci\u00f3n del futuro. Su respuesta ante las dudas resume su filosof\u00eda: “Nadie… nada se explica por s\u00ed mismo”. La verdad reside en la materia, en el peso y en la cicatriz.<\/p>\n\n\n\n

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Plano de las manos de L\u00e1szl\u00f3 manipulando una estructura de alambre, simbolizando la inscripci\u00f3n del trauma del Holocausto en su cuerpo<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n

La pel\u00edcula concluye con una resoluci\u00f3n agridulce y monumental. A\u00f1os despu\u00e9s, en una bienal de arquitectura, se pronuncia un discurso final que resignifica toda la obra de L\u00e1szl\u00f3. Su sobrina, Zs\u00f3fia, es la oradora encargada de describir el edificio no como un lugar de ocio, sino como una estructura con un “n\u00facleo inamovible” dise\u00f1ada para “trascender el tiempo”. Se revela que el arquitecto logr\u00f3 convertir su prisi\u00f3n en un templo, obligando a las generaciones futuras a habitar su memoria. La cr\u00edtica que considera “absurdo” referenciar un campo de concentraci\u00f3n \u2014como sostienen los expertos que buscan rigor hist\u00f3rico por encima de la narrativa\u2014 ignora esta funci\u00f3n cat\u00e1rtica: el edificio es un “est\u00edmulo pol\u00edtico” dise\u00f1ado para desencadenar la conciencia colectiva. \u201cEl Brutalista\u201d termina mostr\u00e1ndonos que, aunque los personajes perezcan o sean consumidos por sus vicios y enfermedades, la arquitectura permanece. La masa colosal de hormig\u00f3n que se alza desafiante sobre la colina es la cicatriz permanente que L\u00e1szl\u00f3 deja al mundo; una prueba s\u00f3lida e inamovible de que \u00e9l estuvo all\u00ed, de que su dolor fue real y de que, frente a un sistema dise\u00f1ado para convertir a las personas en polvo y olvido, la construcci\u00f3n de la memoria es el acto definitivo de resistencia.<\/p>\n\n\n\n

Referencias:<\/p>\n\n\n\n

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  • Berm\u00fadez, J., & Navarrete, S. (2019). La dimensi\u00f3n espiritual de la materia arquitect\u00f3nica. Reflexiones fenomenol\u00f3gicas sobre el brutalismo. M\u00f3dulo Arquitectura CUC, 23(1), 89-120. 2<\/sup><\/li>\n\n\n\n
  • Corbet, B. (Director). (2024). The Brutalist [Pel\u00edcula]. A24. 3<\/sup><\/li>\n\n\n\n
  • Hawthorne, C. (2025). Why “The Brutalist” Isn\u2019t\u2026 The Yale Review.<\/li>\n\n\n\n
  • O’Brien, K. (2025). \u2018The Brutalist\u2019 is a Triumph And I Hated It \u2013 Film Review.<\/li>\n\n\n\n
  • Shaw, M. (2025). Why Is Oscar Nominee \u2018The Brutalist\u2019 Igniting So Much Controversy? Forbes.<\/li>\n\n\n\n
  • Trosman, C. (2021). Corpograf\u00edas: Mapas de lo sensible<\/em>. Editorial Biblos.<\/li>\n<\/ul>\n\n\n\n

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